VICENTE
PASCUAL imago mundi
El arte abstracto siempre ha justificado su desconexión con la representación reivindicando ser portador de una idea, (lo que el arte figurativo no necesita hacer) o ser vehículo de una expresión de un estado interior del artista que sería inexpresable en otros lenguajes. Pero el lenguaje visual de la abstracción puede ser experimentado sin referencias a ideas específicas ni a estados psicológicos. Su significado puede tomar cuerpo plenamente al ser experimentado, y ello puede serlo sin palabras, abierto y sin la certificación de una interpretación. La obra de Vicente Pascual se basa precisamente en tal proposición, sin tener en cuenta el carácter simbólico del que sus pinturas aparentan depender. Lo que puede decirse con respecto a la síntesis de su lenguaje es, en primer lugar, que habla mediante la totalidad, a través de composiciones de formas extremadamente simples sobre terrenos generalmente monócromos. Después, que hay un diálogo entre la luz y la oscuridad. Lo que en estas pinturas es dinámico no es que puedan simbolizar los ritmos del sol y la luna, o las relaciones de las fuerzas masculinas y femeninas, o la interrelación entre divinidad y humanidad. Lo que es activo y vivo en la obra de Vicente Pascual es que sean tan teológicamente silenciosas. Estos trabajos ni confirman ni niegan ningún significado de los que, en efecto, aparecen en las riveras de una inteligencia especulativa. Sus pinturas son casi símbolos legibles, tienen una claridad de diseño como si se tratara de una bandera nacional, y las interacciones de su diseño geométrico ofrecen un lúcido drama visual: dos círculos amarillos, por ejemplo, coinciden parcialmente, y el espacio ocupado por ambos tiene una clave luminosa más intensa. La superficie es rica en estas pinturas, con las marcas de aguadas y texturas, nunca estática. Como objetos, las pinturas de Pascual están humanizadas por las huellas de su elaboración, sin embargo son objetos de arte, y por ello están diseñadas, de algún modo, para eludirnos. Lo que Vicente Pascual dice al espectador directamente, y sin ambigüedad, es que formas simples pueden tener matices visuales complejos. Estudiando cuidadosamente estos matices, como si se tratara de la superficie de un cristal, se nos abre paso a más profundas investigaciones. En efecto, estas pinturas son mucho más misteriosas de lo que aparentan ser, no porque tengan una sublectura (la mayoría de las abstracciones postmodernas la tienen) sino porque no la tienen. Retomando la expresión "cogniciones fundamentales", utilizada por Chris Gilbert refiriéndose al trabajo de Vicente Pascual, el artista ha creado un lenguaje visual que es tan inmediatamente legible que el espectador se desvía buscando más allá. Profundizando en el trabajo de Vicente Pascual se hace aparente, incidentalmente, lo que George Steiner ha denominado "apuesta por la trascendencia", en otras palabras, es prácticamente imposible confrontar estas piezas sin preguntarse que es lo que quieren decir. Como formas singulares, aparentan estar imbuidas en la falta de significado. Lo que estamos viendo, sin embargo, son especulaciones -apuestas- sobre una base plena de significado: que un círculo, por ejemplo, puede significar algo más allá de su geometría, algo que transciende el hecho visual. Pascual sólo es conclusivo en las decisiones finitas del diseño de cada una de sus pinturas, pero, y es eso lo que va abre el camino hacia adelante, hay misterio en cada una de ellas. Octavio
Paz dijo, en una lectura sobre poesía dada en la Universidad de
Harvard en 1971, dijo "el artista moderno buscaba el principio del
cambio; el artista de la época del despertar busca ese principio
inalterable que está en la raíz del cambio." ¿Reivindica
Vicente Pascual haber descubierto tal principio? En ningún modo,
pero en su trabajo se puede apreciar el resultado de su búsqueda. J.W.
Mahoney
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